Yang Fudong, (China, 1971). Estudió Pintura al óleo en la Academia de Arte de China, Hangzhou, provincia de Zhejiang, recibiéndose en 1995. A principios de los años 90s comenzó a trabajar con fotografía, film 35mm, video y video instalaciones.

En su trabajo Yang explora temas históricos, sociales y políticos. Yuxtapone las contradicciones entre los problemas sociales actuales, con las normas culturales ancestrales. Recurre a historias abstractas y fragmentadas, tiende a crear secuencias largas y suspendidas, con el uso del blanco y negro como algunas de sus constantes.

Sus obras tienen una sensación nostálgica que incorpora la armonía lírica de los tradicionales handprolls (rollos de sushi) con la expresividad del cine new wave que recuerda a Jim Jarmusch, a quien admira.

El trabajo de Fudong, expresa un sutil contrapunto entre abstracción, sueño y realidad. Sus historias eternas sumergen a los espectadores en una atmósfera nostálgica y de otro mundo, en la que una generación que existe entre la modernidad y la tradición explora y cuestiona el mundo.

Muchas de las obras de Yang no se centran en una narrativa lineal, sino que se basan en la interacción entre los personajes y en el estado de ánimo para contar una historia.

“The Coloured Sky: New Women II” (2014), video instalación de cinco pantallas donde cinco mujeres jóvenes, ingenuas y seductoras, vestidas con trajes de baño antiguos, están representadas en un entorno de playa deliberadamente artificial. Filmados en cámara lenta con sonidos de risas, suspiros, retumbos oceánicos y sonidos de grillos, juegan el juego de la seducción. Las cinco pantallas muestran imágenes del sol, el mar, la playa, juegos, comida y referencias al arte occidental intercaladas con las apariencias de un caballo y un ciervo. Uno real, el otro artificial, los animales están tomados de una historia política china que se remonta al siglo III a. C. Haciendo referencia al proverbio “señala a un ciervo y llámalo un caballo”, el trabajo se convierte en una propuesta sobre lo que es verdadero y lo que es falso.

“Seven Intellectuals in a Bamboo Forrest” (2003-2007), una película de cinco partes en la que relata una historia del siglo III sobre un grupo de eruditos y poetas que rechazan la vida urbana y el servicio público para un retiro en el campo. Produjo una película por año, y la pentalogía, que explora las disonancias entre mundos reales e ideales, se presentó como instalación en la Bienal de Venecia de 2007.

“The Fifth Night”(2010) es una película en blanco y negro que se desarrolla en el viejo Shanghai. Son siete televisores de grandes pantallas que abarcan un total de 21 metros de ancho. Yang Fudong capturó una sola escena desde siete puntos de vista que luego se unen para crear un todo fracturado. Es una obra que refleja una narrativa poética y disyuntiva sobre la China contemporánea.

“East of Que Village” (2007), es una video instalación de seis canales de video en blanco y negro con sonido que explora un pueblo escasamente poblado dentro de un paisaje desolado. Los videos se proyectan en seis pantallas separadas y sincronizadas que están dispuestas alrededor del perímetro de un espacio oscuro. Cada uno de los seis videos tiene una banda sonora separada, transmitida a través de dos altavoces colgados en la pared de la sala a cada lado de la pantalla. Tres de los seis videos muestran perros salvajes sin ataduras mientras vagan, pelean y buscan comida, a veces vistos desde lejos en un entorno rural árido y otras veces filmados de cerca desde una perspectiva cercana al suelo. Los otros tres videos incluyen imágenes adicionales de los perros, pero también se centran en los habitantes de la aldea, que se ven en casas pequeñas y amuebladas con sencillez, en tiendas locales, trabajando en campos y en un festival que presenta Músicos en traje ceremonial. Los seis videos se caracterizan por tomas largas con poco o ningún movimiento de cámara, imágenes rígidas y una sensación de tranquilidad que se ve interrumpida brevemente por los sonidos del viento, los ladridos de los perros y las conversaciones apenas audibles entre la gente local.

“An Estranged Paradise” (1997-2002), una película completada cinco años después de su filmación debido a la falta de fondos, es según Fudong una “pequeña película intelectual”, un trabajo sobre la clase educada en China. Filmada en 35 mm y transferida a digital, esta película en blanco y negro sigue a Zhuzi, un joven que vive en Hangzhou, también conocido como el Paraíso por su belleza natural. Captura una sensación de alienación cuando Zhuzi, plagado de una enfermedad desconocida, continúa su vida cotidiana y, al parecer, pasa de una relación romántica a otra. ¿De qué enfermedad podría estar sufriendo? Escenas de visitas al médico revelan poco. La narrativa fragmentada revela aún menos. Una intrigante secuencia de paisajes y acciones, de más de cuatro minutos de duración y que aparece antes de los títulos, de indicios sobre cómo leer esta obra. Formado como pintor al óleo, Yang comprensiblemente ha pasado mucho tiempo contemplando el arte de la pintura. La pintura con tinta china ocupa un lugar esencial en la vida intelectual tradicional china, ya que se esperaba que una persona educada en la antigüedad dominara las Cuatro Artes: qin (cítara / música), qi (juego de mesa), shu (caligrafía) y hua (pintura). ). Las tomas estáticas minimalistas capturan la realización de una pintura tradicional en tinta de paisaje, acompañada por una voz en off que explica la estética: desde el dominio de la pincelada y el uso de la tinta hasta el arte de la composición y la poesía incrustada en cada pintura, donde más importante que la representación de un paisaje es la expresión del estado de ánimo del creador. Las múltiples secuencias de montaje de la película, que combinan tomas de paisajes naturales, comercio, vida en la calle, extraños y vías de tren, pueden no tener un propósito narrativo, pero evocan un paisaje psicológico y poético (muy parecido a lo que se encuentra en una pintura a tinta) por el cual Zhuzi vive su crisis existencial. Su falta de alegría, falta de objetivo y desconexión nos hace recordar los trabajos del director de cine Michelangelo Antonioni, cuyos personajes sufren el descontento y el tedio asociados con el modernismo. Yang, quien nació durante la Revolución Cultural China (1966–1976)y llegó a la mayoría de edad cuando China se estaba modernizando y transformando rápidamente en una economía de casi mercado, ha trazado efectivamente el estado mental de un personaje que experimenta una vida que evoluciona a una velocidad vertiginosa.

“Backyard- ¡Eh! – Sun is Rising” (2001), es un cortometraje en blanco y negro que se puede considerar como una parodia, compuesta por restos de la Revolución Cultural China y la antigua China, con una estilización visual que recuerda vagamente al cine chino de los años 30 y 40, un género que ejerce una fuerte influencia sobre el artista. Si bien el título indica la mañana, el momento más precioso del día según la sabiduría tradicional china, los personajes parecen ser inútiles e ineficaces a pesar de sus acciones. Acompañado por una banda sonora de gongs y tambores similares a los que se escuchan en las películas de guerra chinas, el video comienza con varios jóvenes vestidos con uniformes de la Revolución Cultural, que bostezan mucho antes de sus ejercicios. La escena cambia bruscamente para mostrarles escalar colinas y empujar el soporte del pilar de una casa antigua. Sin embargo, sus esfuerzos son en vano, como lo demuestra la imagen de un grupo de personas mayores que hablan al otro lado del pilar, sin verse afectados por los esfuerzos de los jóvenes. Es una escena anti-heroica que va en contra de las imágenes de propaganda del gobierno chino.

“No Snow on the Broken Bridge” (2006) 11 minutos, toma su título de una vista turística en el Lago del Oeste de Hangzhou, comúnmente conocida como “Nieve persistente en el Puente Roto”. Para Yang, la ciudad tiene un significado nostálgico como el lugar donde pasó sus años formativos como estudiante en la Academia Zheijang de Arte entre 1992 y 1995. Hangzhou es famosa por sus impresionantes paisajes montañosos, y su reputación se refleja en el trabajo. Filmada en 35 mm en blanco y negro, No Snow comprende escenas y fragmentos narrativos ligeramente interconectados. La interpretación se deja abierta al espectador. Durante la película de 11 minutos, ocho hombres y mujeres jóvenes dan un paseo sinuoso, admirando el paisaje circundante. Nada definitivo ocurre. Sin una resolución narrativa, uno podría frustrarse, pero es esta sensación de expectativa y anhelo lo que sostiene la película. “Es lo que sucede en sus corazones y mentes lo que es importante”, explica Yang. Con el deshielo de la nieve, la llegada de la primavera se convierte en una metáfora de las esperanzas e ideales en ciernes de los jóvenes protagonistas. Hay una nostalgia elegíaca de la película, los vestidos chinos del siglo XVII, usados por los miembros del elenco y hechos para parecerse a los dandies de los años 20, pero la película está firmemente arraigada en el presente. No Snow dibuja paralelos entre los personajes de Yang y la juventud china moderna; ambos grupos se desplazan entre el pasado y el presente, buscando relevancia en una China en rápida evolución.