Manhattan, 21 de marzo de 1915. Tocaba el pleno de la Russian Symphony Orchestra of New York, dirigía Modest Altschuler y se sentaba al piano Marguerite Volavy. El autor de la obra, un compositor joven llamado Alexander Skriabin, requería que el público acudiera al concierto vestido de blanco. Además, su Prometeo: el poema del fuego se ejecutaría acompañado por un artefacto misterioso denominado cromola o clavier à lumières, cuya naturaleza, para más misterio, solo se revelaría durante el concierto.

Fue un fracaso. Pocos entendieron que no era un simple foco de luces de colores, sino un instrumento cuidadosamente pulsado con su propia partitura, y nadie sintió que el Prometeo fuera una obra escrita necesariamente para el estímulo de dos sentidos —el oído y la vista—, en lugar de solo uno. Y, desde luego, allí muy pocos o ninguno experimentaron la inmersión sinestésica física que buscaba Scriabin al pedirles que fueran vestidos de blanco.

No fue la primera vez que un instrumento musical para los ojos  fracasó en la hora de su puesta de largo y, desde luego, tampoco fue la última. De lo contrario hoy la música visual sería algo tan implantado como el cine y la fotografía porque es, aunque no lo parezca, una disciplina bastante más antigua.

Tan pronto como en 1650 la correspondencia entre la música y el color era ya una preocupación para Athanasius Kircher, jesuita y erudito alemán que publicó ese año un intenso tratado sobre sonido en el que proponía la homogeneidad ulterior de lo perceptible o que «el mundo está atado con lazos invisibles», recurriendo a sus propias palabras. Su texto partía de la noción medieval de que la música era la expresión en el mundo de las matemáticas elementales: si la música son matemáticas y las matemáticas lo explican todo, entonces la música debe explicarlo todo.

 

 

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